Torche Bronze Italie XIX-XX Siècle - Italie Fin du XIXe siècle Début du XXe siècle

Composition avec Pain et Tomates

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Au dos on retrouve le cachet de l'artiste sur le cadre. La peinture de De Bernardi s'inscrit dans la tradition paysagère lombarde des XIXe et XXe siècles. Il a toujours vécu à Besozzo, sa ville natale dans la province de Varèse, mais il a beaucoup voyagé, en Italie et hors d'Italie, collectant des impressions et recherchant de nouveaux paysages pour les revivre dans son travail. Il privilégie la production paysagère, même si elle s'exprime avec un style changeant dans ses différentes phases picturales. Les natures mortes ne manquent pas dans sa production, remontant principalement aux années 1940, des compositions scrupuleusement conçues visant à aborder les problèmes de lumière et de profondeur atmosphérique avec agilité et fraîcheur, comme dans cette présentation de pain et de tomates sur une table rustique. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre.

Étude Suspension1992

Technique mixte sur papier. titre mais lisible en bas ; au dos, cachet de l'artiste avec signature, date et titre (Pour poissons - Suspension Studio). Caccioni, artiste né, formé et vivant toujours à Bologne, est l'un des protagonistes d'une génération qui a aujourd'hui atteint une maturation linguistique définitive et occupe une place importante dans le panorama artistique contemporain. Ses recherches utilisent principalement des matériaux inhabituels tels que les acétates, le PVC et, plus récemment, des fonds de scène d'œuvres théâtrales du XIXe siècle, sur lesquels il intervient en peignant des formes tirées de sa mémoire personnelle et de suggestions provenant de différentes cultures et périodes historiques. Un élément récurrent dans l'œuvre de Luca Caccioni est l'écriture, signe signifiant qui conçoit l'œuvre et est capable de raconter des pensées ; Travaillant par superposition, les images sont construites par addition ou soustraction de couleur sur les différents supports. Encadré.

Vis à Vis 1963

Technique mixte (feutre, aquarelle) sur papier. signé et daté en bas à droite. Jean Cocteau était un artiste aux multiples facettes : écrivain, dramaturge, dramaturge, il s'est également intéressé aux arts visuels, aimant expérimenter toutes les avant-gardes de son siècle. Cocteau publie son premier livre de dessins en 1923, à seulement 36 ans. Le poète y met en scène ses amis Raymond Radiguet, Pablo Picasso, Erik Satie, Francis Poulenc, mais aussi de nombreuses scènes de la vie quotidienne parisienne, les ballets russes de Nijinski, des allégories, des caricatures, des images poétiques. Cocteau se révèle être un dessinateur de talent, mais surtout un artiste capable de capter l'essence des visages, des comportements et des faiblesses humaines. Dans sa production picturale revient le thème du visage, ou plutôt des visages, souvent deux profils se faisant face, face à vis. En 1962, l'artiste achève la création du théâtre de plein air à Cap d'Ail, sur la côte méditerranéenne française, dont le sol est décoré de ce sujet, deux visages au profil grec se faisant face, avec un œil interposé ; le sujet fut ensuite repris par lui dans la période suivante - d'ailleurs proche de sa mort subite -, avec diverses variantes. Dans le dessin présenté ici on retrouve les deux profils grecs, séparés par le troisième œil mais aussi par deux serpents tordus, tandis que dans le dessin du théâtre il y a des feuilles. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Huile sur toile. Ecole d'Europe du Nord du début des années 1900. Signature non identifiée en bas à droite. Le paysage représente un aperçu d'une campagne inculte, avec des parcelles de végétation, des prairies pleines de bruyères, traversées par un chemin qui se dirige vers les collines voisines, en passant à côté d'une écurie. L'œuvre présente une petite coupure en haut au centre. Il est présenté dans un cadre.

Les Joies de la Mère

Huile sur toile. Début des années 1900. Le tableau rappelle de manière assez détaillée l’œuvre du même nom peinte vers 1866 du peintre émilien Gaetano Chierici, un artiste qui s'est imposé pour une grande production de scènes de la vie paysanne, capturées dans des intérieurs rustiques, interprétées à travers une adhésion sentimentale intime et un réalisme formel clair, qui racontent un petit monde heureux et toujours serein, voire souvent joyeux malgré la pauvreté, car dépourvu de toute intention de dénonciation sociale, mais représente plutôt la conception heureuse de la famille qu'avait l'artiste. Ces peintures connurent un tel succès auprès de la bourgeoisie de l'époque qu'elles furent reproduites à plusieurs reprises par le propre atelier de l'artiste puis par d'autres peintres. Chierici met presque toujours en scène l'intérieur d'une humble cuisine paysanne, pleine d'objets décrits dans les moindres détails, peuplée d'enfants vaquant à leurs activités quotidiennes, avec des adultes qui les regardent heureux et amusés: dans cette scène qui se déroule dans un endroit pauvre, une femme assise qui tourne, souriante et tendrement amusée, regarde ses deux petits enfants, l'aînée qui, debout, vole la tétine du petit allongé par terre sur un lit de couvertures, qui tend ses petites mains vers les siennes objet de plaisir. L'œuvre, première toile, est présentée dans un cadre en bois sculpté et doré de la fin du XIXème siècle.

Le Masque

Huile sur toile. le tableau reprend assez en détail l'œuvre du même nom peinte en 1869 par le peintre émilien Gaetano Chierici, un artiste qui s'est imposé pour une grande production de scènes de la vie paysanne, capturées dans des intérieurs rustiques, interprétées à travers une adhésion sentimentale intime et un réalisme formel clair, qui raconte un petit monde heureux et toujours serein, voire souvent joyeux malgré la pauvreté, car dépourvu de toute intention de dénonciation sociale, mais plutôt représentatif de la conception heureuse de la famille qu'avait l'artiste. Ces peintures connurent un tel succès auprès de la bourgeoisie de l'époque qu'elles furent reproduites à plusieurs reprises par le propre atelier de l'artiste puis par d'autres peintres. Chierici met presque toujours en scène l'intérieur d'une humble cuisine paysanne, pleine d'objets décrits dans les moindres détails, peuplée d'enfants occupés à leurs activités quotidiennes, avec des adultes qui les regardent heureux et amusés : ici nous voyons l'enfant dans lequel il entre soudainement. la cuisine, portant un masque grotesque sur le visage et effrayant ainsi sa petite sœur, qui abandonne sa nourriture pour courir et s'accrocher aux jupes de sa mère, qui s'affaire au foyer, qui gronde son fils en brandissant la louche. L'œuvre est présentée dans un cadre en bois sculpté et doré de la fin du XIXème siècle.

Bateaux sur le Canal

Huile sur toile. Signé en bas à droite. titre au crayon sur le cadre. Le peintre hongrois Emil Lindenfeld a longtemps vécu en Italie avant de s'installer aux États-Unis en 1956. Sa production très riche comprend des scènes avec des personnages humbles, des ouvriers, mais aussi des paysages et des aperçus des lieux qu'il a vécu, notamment des aperçus vénitiens. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Cours au Puits 1873

Huile sur toile. Signé et daté en bas à droite. Haier était un peintre et photographe viennois, mais il a longtemps vécu en République tchèque. Sa production picturale comprend des portraits et de nombreuses scènes de genre, se déroulant comme celle-ci dans le milieu rural tchèque. Nous avons un vendeur de jarres, porté sur le dos de son âne, qui converse amoureusement au bord d'un puits avec une jeune fille, qui, quant à elle, offre une touffe d'herbe à la docile bête. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Le tableau s'inspire de l'œuvre similaire de Paolo Véronèse (1528-1588), datant d'environ 1560-70 et aujourd'hui conservée au musée du Prado, dont notre tableau reprend la composition des personnages, en changeant tout le fond et les vêtements. des personnages. L'œuvre de Véronèse connut un tel succès qu'elle fut reproduite par son propre atelier, avec de nombreuses variantes : notre œuvre dérive probablement d'une de ces copies, répliquée plus tard. L'épisode représenté est raconté dans le livre biblique de l'Exode et raconte la découverte du petit Moïse, laissé par sa mère dans un panier au bord du Nil, pour le sauver du massacre des enfants d'Israël perpétré par Pharaon ; La fille du Pharaon, partie au fleuve avec sa suite, le retrouve et le sauve en l'adoptant. Les personnages de la scène sont représentés dans des vêtements du XVIIIe siècle, en particulier la robe de la princesse se distingue par sa richesse et sa somptuosité ; le seul élément exotique est la présence d'un serviteur noir dans la suite, tandis que l'arrière-plan fait également référence à un paysage du nord de l'Europe, avec une épaisse végétation boisée. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre du XIe siècle.

Huile sur toile. École hollandaise de la fin du XVIIIe-début du XIXe siècle. Au dos du cadre, une écriture du début des années 1900 intitulée "Le Docteur, d'après le sujet de Bega", faisant référence au peintre hollandais Cornelis Bega (1620 - 1664) qui se distinguait par ses scènes de genre, généralement d'intérieur et de goût populaire. On voit ici l'intérieur d'une maison dans laquelle une femme soigne la blessure à la jambe d'un homme, aidée par sa petite fille et la vieille femme curieuse. L'œuvre est présentée dans un décor du début du XXe siècle.

La Route de Campagne 1905

Huile sur toile. signé et daté en bas à droite, le peintre hongrois Antal Berkes a créé des paysages dans les premières années de sa carrière, mais s'est ensuite consacré aux vues de villes et de Budapest, Paris et Vienne. Ce tableau appartient encore à la première production, proposant la vue d'une route de campagne, qui traverse une forêt où se trouvent quelques fermes ; une calèche est garée sur le chemin de terre. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.