Cuadro Adoración de los pastores

Pintura al óleo sobre lienzo. En la composición, una mujer con su hijo, vestida con ropas antiguas y flanqueada por un buey, arrodillada en un terreno escarpado, extiende los brazos hacia arriba en un acto de súplica o quizás de contemplación: podría ser una interpretación de María que acompaña al Niño Jesús a contemplar. su destino, con el buey que remite al nacimiento y sencilla vida pastoral de la Sagrada Familia. Restaurada y revestida, la pintura muestra varios rastros de pérdida de color. Se presenta en un marco elegante.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. Caratacus fue un rey celta de la tribu británica Catuvellauni y líder de la resistencia antirromana y famoso como luchador por la libertad. Durante ocho años resistió la invasión romana de Gran Bretaña a partir del año 43 d.C. Durante ocho años fue el hombre más buscado del Imperio Romano, perseguido sin descanso, de lucha en lucha, de fortaleza en fortaleza, en las montañas de Gales, hasta que no fue traicionado y entregado a los romanos en el año 51 d. C. por Cartimandua, reina de los bandidos de Yorkshire, a quien había acudido en busca de ayuda. Derrotado, fue llevado encadenado a Roma con toda su familia: llevado ante el emperador, el rey británico habló con tal sabiduría y orgullo (con el discurso relatado por Tácito en sus Annales) que Claudio, impresionado por sus palabras, le concedió la gracia. a él, a su esposa y a sus hermanos, permitiéndoles pasar el resto de sus días en Roma. El cuadro presenta el momento de la perorata de Carataco, en el centro de la escena encadenado, defendiendo fervientemente su caso ante el emperador: está sentado en su trono, flanqueado por su esposa y rodeado de senadores y soldados. La pintura, restaurada y revestida a finales del siglo XIX, presenta ligeros daños.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena, al aire libre al pie de una pendiente, muestra dos figuras femeninas desplomadas sobre ellas y detrás de ellas un peregrino, con el tradicional bastón y conchas en su manto. La mujer en primer plano sostiene un rosario en una mano y en su regazo hay un niño dormido. La escena recuerda un momento de oración dolorosa y contemplativa. El cuadro, ya restaurado y revestido, tiene varias gotas de color y manchas. Se presenta en un marco elegante.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVII. Según la tradición cristiana, santa Verónica fue la "mujer piadosa" que, al ver la pasión de Jesús cargando la cruz y su rostro sucio de sudor y sangre, lo limpió con un lienzo, en el que habría quedado la huella del rostro de Jesús. Este velo, también conocido como Sábana Santa, se ha convertido, por tanto, en el signo iconográfico del santo: también en este cuadro la Verónica aparece en el centro, mientras que dos ángeles a los lados sostienen el lienzo en el que está impreso el rostro de Cristo coronado de espinas. ; debajo, un cáliz que recoge simbólicamente la sangre divina, mientras que sobre la teta del santo flota el Espíritu Santo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. La composición presenta una liebre colgada en el centro, flanqueada por unas codornices y una paloma; en el lado derecho, una cesta de mimbre que contiene castañas y ramas de pino; en el lado izquierdo un manojo de espárragos y un jarrón con flores de colores, cuyos colores vivos y brillantes crean un contraste cromático con el resto de elementos, todos en tonos marrones y grises. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco reutilizado del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. De sabor bucólico y sereno, la escena ambientada en el campo a las afueras del pueblo que se vislumbra a la izquierda, ve a una mujer y su hijo que, cerca de un arroyo, esperan al pastor con su rebaño con una canasta de comida. Restaurado y revestido, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. Composición rica con cuenco lleno de flores jaspeadas, frutero con melocotones, una calabaza cortada y un jilguero que recoge los granos del racimo de uvas colocado sobre la mesa. Forma parte de esa vasta producción de naturalezas muertas compuestas que en el siglo XVIII, desprovisto de todo sentido alegórico o simbólico, tenía como finalidad puramente decorativa; tomó múltiples objetos inanimados, compuestos, vivos, a menudo flanqueados por un elemento vivo, un animal como el jilguero en esta obra, que mantenía el vínculo con la vida y la vida cotidiana. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Es una representación tradicional del acontecimiento de la muerte de Jesús en la Cruz, con su madre María y el discípulo amado al pie de la Cruz, en contemplación de Cristo moribundo; en el fondo la ciudad de Jerusalén. Muy esencial en la representación, y estática en las posiciones de las figuras evangélicas, la escena subraya el drama con un fondo oscuro, aunque una luz se abre sobre Cristo para anunciar la participación divina en el acontecimiento. La pintura ya revestida, tiene unas pequeñas gotas de color.

Pintura al óleo sobre lienzo. En la parte superior derecha están el nombre del hombre retratado y su edad, 78 años. El hábito del hombre y la actitud de oración, frente al Crucifijo, con el libro de meditación en la mano, lo identifican como prelado. El apellido Albertoni está muy difundido en Italia, en varias familias que partieron de Lombardía para extenderse a Parma y luego a Roma. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

Temple sobre lienzo. Enmarcadas en un marco pintado, tallado con volutas y dorado, están retratadas una madre y su hija: la joven está lánguidamente tumbada en un sofá otomana y acaricia a la niña arrodillada a su lado, sosteniendo con una mano una cesta de merienda. En la parte trasera hay una restauración, con un parche en la parte central. La obra se presenta en un marco de estilo.

Interior del establo, 1889

Óleo sobre tabla. Firmado y fechado el 30-11-1889 abajo a la izquierda. Delleani, que inicialmente pintó principalmente temas históricos, se acercó progresivamente a la pintura de paisajes "en plein air", especialmente de sus lugares de origen, los valles del Piamonte, caracterizando sus vistas con vibraciones cromáticas y una cálida luminosidad. En las últimas décadas de su vida, sin embargo, también se dejó involucrar en la corriente orientalista, pero luego volvió a sus vistas paisajísticas, creando sobre todo paneles ricos en colores cálidos y atmósferas sugerentes. Más rara pero igualmente evocadora es su producción de interiores, como este de un establo, donde las figuras animadas, las ovejas, aparecen como manchas de color casi indistintas dentro de un entorno jugado enteramente con los efectos luminosos de una única gama cromática. Restaurada y protegida, la pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX, con restos de restauración y pequeños defectos.

Óleo sobre tablilla. Firmado abajo a la derecha. Se trata de tres pequeños cuadros que proponen vistas de paisajes, realizados en el estilo naturalista típico de Lorenzo Gignous: los dos laterales, de 24 x 30 cm, proponen el tema más recurrente en la producción del artista lombardo, es decir, las vistas del lago Maggiore, animadas por barcos de pesca; en el centro un paisaje más pequeño (18 x 25 cm) con un grupo de árboles en el campo. Las tres pequeñas pinturas se presentan en un único marco coetáneo.