Cuadro de paisaje clásico grande con figuras

Escuela francesa. Mediados del siglo XVIII

Óleo sobre la mesa. Escuela francesa. Mediados del siglo XVIII. La escena representa una fiesta en el interior de un parque rodeado de muros con pasajes arqueados que se abren al campo, y decorado a la derecha con un ánfora sobre una columna y en el centro, detrás de las figuras, con una fuente que brota, con estatuas de querubines y conchas. Dos parejas de damas y caballeros ricamente vestidos se entretienen galantemente, rodeados de sirvientes; uno de los hombres toca el violín, agachado frente a su dama que, flanqueada por la dama de honor, sigue la melodía de la partitura que sostiene el joven a su lado, mientras dos músicos acompañan el toque con la flauta y una mandolina; la otra pareja, en actitud de diálogo íntimo, escucha a la izquierda, mientras a la derecha el cazador que regresa de cazar también observa la escena. La pintura se presenta en un marco de época.

Bodegón con uvas, higos, granadas y melocotones.

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado “Máx. FP”. en el marco superior del capitel. El bodegón está compuesto por uvas, granadas y duraznos colocados sobre un capitel, en la composición también hay una bandeja de plata; al fondo un paisaje con árboles y ruinas, a la izquierda se vislumbra un rincón de cielo cerúleo, apenas velado por las nubes. Maximilian Pfeiler se consagró por sus naturalezas muertas en las que, como telón de fondo de las flores y los frutos, colocaba un fragmento arquitectónico, introduciendo ya ese gusto por las ruinas antiguas que se consolidó plenamente en el siglo XVIII. La pintura ha sido revestida y restaurada (pequeños repintados). Se presenta en un marco elegante.

Escuela flamenca del siglo XVI.

Óleo sobre la mesa. Escuela flamenca del siglo XVI. La obra tiene una placa en la base que la atribuye a Lambert Van Noort (1520 -1571), justificada por la cercanía a sus métodos pictóricos que se puede encontrar en los rostros de Jesús y Magdalena, pero no confirmable en el resto de partes del cuadro. . La obra relata el episodio del Evangelio de Juan en el que los escribas y fariseos llevaron a Jesús a una mujer acusada de adulterio, para comprobar su observancia de la ley de Moisés, que incluía la lapidación. Pero Jesús, inclinándose hasta el suelo, comenzó a escribir con el dedo en el polvo, luego, cuando se le instó, pronunció las palabras "Cualquiera de vosotros que esté libre de pecado, que tire la primera piedra", salvando a la mujer y posteriormente perdonándola. El gran escenario está lleno de un grupo numeroso y compacto de personajes. Jesús en el centro, es la única figura inclinada en el suelo, distanciada del resto del grupo y fija en su gesto de escribir con un dedo; detrás de él, con una precisa alineación vertical de su rostro con el de Cristo, está la mujer acusada, que cubre su cuerpo con su manto observando el gesto de Chrsito, mientras espera la sentencia; Alrededor de los escribas, los fariseos, algunos soldados, que en cambio hablan animadamente entre ellos, están agitados, enfrentándose unos a otros, indicando lo que Jesús está haciendo. El tema estuvo ampliamente representado en la pintura flamenca, con diferentes métodos interpretativos. Si en este cuadro la escuela flamenca se percibe claramente en los rostros de rasgos duros y en los cuerpos más bien rígidos en los movimientos de los escribas y fariseos, así como en la representación del edificio al fondo y en la minuciosa representación del zapatos en primer plano a la derecha, los dos Las figuras de Jesús y la mujer están en cambio afectadas por la influencia italiana, que suavizó los rasgos de los rostros, dio a los movimientos del cuerpo mayor compostura y gracia, y con la ayuda de un color más brillante. los hizo destacar entre las demás figuras. El panel del cuadro fue sometido a restauración y entarimado en la primera mitad del siglo XX. El cuadro se presenta en un marco antiguo adaptado.

Óleo sobre la mesa. Escuela central italiana de la segunda mitad del siglo XVI. La escena sagrada de la Anunciación ve a las dos figuras protagonistas colocadas en primer plano en un interior que corresponde a la habitación de María. La joven está sentada frente a un pequeño escritorio de madera, sostenido por figuras de ángeles, sobre el que descansa el libro de oraciones y un pequeño jarrón con flores; a sus pies, el costurero. El cuerpo de María está parcialmente girado hacia atrás, en un movimiento retorcido, casi como si intentara escapar, como si quisiera alejarse de la otra figura, la del Arcángel Gabriel. Está de pie a la derecha, majestuoso y elegante, con una mano sosteniendo un lirio y la otra apuntando hacia arriba, sobre él, donde la paloma blanca, símbolo del Espíritu Santo, emerge de un hueco de luz. Al fondo, altas columnas con cortinas coronan la plataforma sobre la que descansa la cama de Mary. La composición remite, en el estilo figurativo y en las elecciones cromáticas, a la pintura ya manierista de las escuelas del centro de Italia: en particular, hay una fuerte concordancia de estilo y composición con algunas obras del mismo tema del pintor Bastiano Vini Detto. Bastiano Veronese (1525/1530 - 1602), que vivió y trabajó en Pistoia hacia 1540. Es en esta ciudad donde se encuentran algunas de sus Anunciaciones: en particular la de la Iglesia de Santa Maria delle Grazie (un retablo de más de dos metros de altura), muestra claras similitudes a nivel formal y compositivo con la que aquí se presenta. . Hay concordancia en la ambientación de la escena sagrada: una habitación, al fondo de la cual hay una cortina que cubre parcialmente una cama, amueblada con los elementos esenciales para la narración, el atril y la silla ricamente decoradas con cariátides de querubines o ángeles. que parecen tallados en la madera. El esquema compositivo se corresponde, aunque con ligeras variaciones, con las dos figuras dispuestas "a modo de friso" en el mismo plano de colocación, y también se corresponden los rasgos somáticos de la Virgen y el Arcángel. Sin embargo, difiere el suelo, que si bien en nuestra mesa es homogéneo, en Pistoia se presenta con colores alternados en forma de damero, pero parece que este diseño del suelo se añadió en una época posterior, con motivo de la reconstrucción de el altar en 1637 -1639, junto con el de otra obra del mismo Sebastiano Vini en la misma iglesia, una Conversación Sagrada. Por tanto, parece bastante seguro que nuestro panel fue pintado siguiendo la obra de Bastiano Veronese, probablemente por petición expresa del cliente, y antes del cambio de suelo, por lo que se remonta a la segunda mitad del siglo XVI. La pintura ha sido restaurada, con la aplicación de dos refuerzos en la parte posterior del panel. Se presenta en una ambientación de finales del siglo XIX. (Referencia del retablo de Pistoia: Catálogo del patrimonio cultural https://catalogo.beniculturali.it/detail/HistoricOrArtisticProperty/0900035285)

Paisaje invernal con figuras sobre hielo

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela flamenca del siglo XVII-XVIII. En el marco hay una etiqueta que atribuye a Thomas Heeremans (pero con fecha incorrecta). La gran escena ofrece un paisaje invernal propio del territorio holandés, ya que se caracteriza por un canal helado, cerca de un pueblo, poblado por numerosas figuras de patinadores, absortos en sus actividades cotidianas: el trineo tirado por caballos para el transporte de personas, el hombre el que empuja la "carretilla" llena de leña, el niño que se empuja a sí mismo en su cajita; otras figuras pasan por el terraplén a lo largo del canal. El cielo gris y frío de un día de invierno se cierne sobre todo. El tema fue recurrente en la producción del pintor holandés Thomas Heeremans, quien pintó principalmente paisajes invernales de su tierra, replicándolos en varias ocasiones debido al éxito obtenido, e induciendo a numerosos otros artistas a imitarlo; por lo tanto, se cree que este trabajo se remonta a un imitador de los Heereman, en lugar de a él directamente. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Amor y Psique

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. La escena se refiere, con algunas variantes pero de tamaño muy cercano, a una parte del gran fresco titulado "Banchetto degli dei" en la Cámara de Cupido (o Cámara de Cupido y Psique) del Palacio Té en Mantua, una gran representación de más de nueve metros realizados por Giulio Romano con su taller en el siglo XVI. La escena propuesta (que en Mantua se ubica a la derecha del gran banquete) muestra a Cupido y Psique acostados en un triclinio, mientras una pequeña figura alada los corona de laurel y dos ninfas le lavan la mano a Cupido; al fondo, a la derecha, un grupo de sátiros sacrifica una cabra al altar de una deidad, mientras que en el centro, a lo lejos, arde una ciudad. El banquete de los dioses es el momento final del mito de los dos amantes que, tras muchas pruebas y vicisitudes, obtienen el permiso de Venus para casarse. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco antiguo.