Escena de batalla

Óleo sobre lienzo. La gran escena, ambientada en un paisaje montañoso, con un pueblo y ruinas al fondo a la izquierda, está completamente ocupada por el grupo compacto de numerosas figuras vivientes: sentada en el centro, la familia del pastor, observando a su compañero sosteniendo al pequeño en sus brazos en pañales; A su alrededor, los animales, desde el fiel perro pastor hasta los animales del rebaño, ovejas, cabras y vacas, también descansan. Destaca el gran naturalismo de las figuras animales, que remite como modalidad pictórica a las obras de la escuela de Philipp Peter Roos, conocido como Rosa da Tivoli (1657-1706), pintor alemán considerado uno de los mejores pintores de animales activos en Italia en el siglo XVII, caracterizada por la peculiar capacidad de evocar el vellón y la apariencia de los animales. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco dorado de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVII. Primer lienzo y montado sobre bastidor original. Ambientada en una prisión, la escena presenta a San Ambrosio obispo que dirige hacia el cielo al personaje de su derecha, un soldado con la Cruz al cuello, identificable como San Víctor, soldado romano originario de Mauritania, que sirvió en Milán en el época de Maximiano y que fue martirizado por su fe cristiana. Fue el obispo milanés quien relató la vida y el martirio del santo en uno de sus escritos y difundió su culto. A la izquierda, otro probable mártir de la fe, que presencia la proclamación de la bienaventuranza de su compañero de celda; A su alrededor, numerosas figuras más de condenados. La pintura octogonal probablemente pertenece a una serie dedicada al culto del Santo Obispo de Milán. El lienzo requiere restauración y limpieza, presentando varias manchas y cortes (un desgarro en el centro, otros menores en los laterales).

Óleo sobre lienzo. María está representada aquí en actitud de recogimiento interior sufriente, con la mirada vuelta hacia abajo, la cabeza apoyada en la mano y la expresión triste; aunque está aureolada, en este cuadro prevalece la dimensión humana, la madre sufriente. Detrás de él un paisaje desierto y árido, acentuando la soledad y el sufrimiento. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran escena representa a María, ya Asunta al cielo y sostenida sobre las nubes por angelitos, recibiendo la Corona de la Santísima Trinidad. Esta coronación expresa la apoteosis de María, que al convertirse en "Reina del Cielo" se convierte en intermediaria entre la tierra, la Humanidad, y el Cielo, la Divinidad: lo que no es dado al hombre ver, se hace posible a través de María que en esta glorificación es más que siempre el hilo tenaz que nos une al Todopoderoso, la verdadera "puerta del cielo", como la definen los Padres de la Iglesia. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. Según la tradición iconográfica, también en este cuadro el ángel de la guarda aparece representado como un joven alado que acompaña a un niño a lo largo de un tramo de camino, indicando al cielo como destino del viaje. Destaca y domina la escena la figura alada, vivaz en sus colores, poderosa en la fuerza física que emana, aunque dulce en su actitud delicadamente protectora hacia el niño, cuya pequeña figura está envuelta en los miembros de su tutor. La escena está encerrada dentro de una guirnalda de flores brillantes y coloridas, que dan color a las figuras, por lo demás situadas en un paisaje oscuro y casi monocromático. La representación de personajes, principalmente religiosos, encerrados en marcos florales tuvo un gran desarrollo especialmente en Roma, ligada a nombres como el de Giovanni Stanchi (1608 -1675), en lugar de Mario Nuzzi conocido como Mario de' Fiori (1603 -1673), y otros. . El cuadro, restaurado y revestido, se presenta enmarcado en listones.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. En su estilo pictórico, el cuadro recuerda la producción de Angelo Caroselli (1585-1652), artista del barroco romano, pintor, copista, restaurador, pero también pasticheur y conocedor del arte, es decir, creador de pinturas "a la manera de " - en la “técnica” y en el “estilo” de un determinado período artístico o de un determinado autor, incluso ensamblando “partes” extraídas de diferentes cuadros. Inicialmente caravaggesco, Il Caroselli desarrolló más tarde su propio lenguaje artístico personal, que fue copiado por muchos artistas menores. En esta obra destaca la expresividad fija y casi exasperada del personaje, cuya elegancia del vestido del siglo XVII y los rasgos casi femeninos del rostro de tez sonrosada contrastan con la tosquedad de la cabeza de Goliat, ensangrentada, con la gran herida de arma blanca. que se destaca contra la palidez mortal. El cuadro ha sido restaurado y revestido conservando el marco de madera original. Se presenta en un marco de madera contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana de los siglos XVII-XVIII. Una gran composición de flores de colores, en jarrones de metal repujado, y algunas frutas esparcidas por el suelo, se colocan junto a una pared que domina un paisaje marítimo: la luminosidad del cielo y del mar a la derecha contrasta con la zona sombreada de la izquierda, sobre el que destacan los colores de las flores. El cuadro, repintado y restaurado, presenta una importante grieta. Se presenta en un marco contemporáneo lacado y dorado.

Pintura al óleo sobre lienzo. La identificación de la santa viene dada por la presencia de la gran rueda de madera, símbolo del instrumento de su martirio. Por lo general, la santa se representa con una corona en la cabeza y vestida con ropas reales para subrayar sus orígenes principescos. En cambio aquí tenemos una representación atípica de ella, con el pelo suelto, cubierta sólo por un gran manto rojo (el color de la sangre, por tanto de la humanidad mortal) que cae de sus hombros y la obliga a cubrirse los pechos con las manos; su mirada se dirige hacia arriba, donde los cielos se abren y desciende un ángel que sostiene con una mano la palma del martirio y con la otra coloca sobre su cabeza una corona de flores, símbolo de su matrimonio místico con Cristo. Se trata, pues, de una representación que la ve en el momento del paso a la vida eterna, similar a una Magdalena penitente en adoración mística, que se ofrece a Cristo sin ningún reconocimiento humano. Destacan en el cuadro las elecciones cromáticas, que sobre un fondo oscuro y lúgubre resaltan el rojo del cielo abierto y del manto, y la blancura de la carne, tanto de la mujer como del ángel. El lienzo, ya restaurado y reforrado, se presenta en un marco trabajado de finales del siglo XIX, con algunos defectos.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena se desarrolla cerca de un campamento militar: frente a una tienda de campaña, a la izquierda, un líder del ejército, probablemente griego, recibe ofrendas de un grupo de hombres, pobres y harapientos, que se postran ante el nuevo maestro; el primero extiende unas hogazas de pan, otro saca algo de un costal, el tercero muestra las heridas de su cuerpo para pedir misericordia; detrás de ellos se acercan otras figuras de mendigos, formando una línea dispersa en el camino que se pierde en la distancia a la derecha. Al fondo, a la izquierda, la vida en el campamento militar es muy animada. La pintura ha sido restaurada y revestida.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. El gran cuadro presenta como tema un conocido tema del Antiguo Testamento, la riqueza del rey Salomón, contada en el Primer Libro de los Reyes: "El rey Salomón superó, por tanto, en riqueza y sabiduría a todos los reyes de la tierra. parte de la tierra para acercarse a Salomón para escuchar la sabiduría que Dios había puesto en su corazón. Todos le traían, cada año, ofrendas de objetos de plata y de oro, vestidos, armas, especias, caballos y mulas". En el cuadro el rey, ricamente ataviado con los símbolos de la realeza (la corona, el cetro, el manto de armiño), escucha de pie a los postulantes que acuden a él para recibir los consejos dictados por su proverbial sabiduría, y a cambio le traen ofrendas acordes con su papel social: algunos agricultores traen como obsequio sacos de grano, fruto de su trabajo en el campo, otros levantan una copa en alto para atraer la atención del rey. Los colores y el estilo pictórico del cuadro hacen referencia a la producción del norte de Italia, especialmente veneciana. La pintura ha sido restaurada y revestida.

Óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVII-XVIII. Se trata de una escena tradicional de la deposición de Cristo de la Cruz, con el cuerpo inerte y pálido bajado en brazos de su madre María, a su vez abrazada y sostenida en su dolor por el discípulo Juan, y alrededor, compartiendo el duelo, dos mujeres piadosas y dos discípulos. La escena se caracteriza por una linealidad diagonalmente descendente, que sigue el cuerpo de Jesús, partiendo del poste de la Cruz levantado a la izquierda y terminando con la mujer agachada para abrazar los pies de Jesús a la derecha. A su alrededor, un fondo desnudo y gris, que subraya el dramatismo y el vacío que crea. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.