Tableau Ancien Scène Biblique Moïse Sauvé des Eaux '600 Huile

Huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. Dans la mythologie classique, la déesse Vénus, épouse de Vulcain, lui fit forger des armes pour son fils Énée. Dans la scène, qui se déroule dans la grotte où se trouve la forge, Vulcain est en effet en train de forger une armure sur l'enclume, avec l'aide de ses assistants, tandis que Vénus, accompagnée de son fidèle Amour, arrive pour vérifier le travail. Thétis, la nymphe marine mère d'Achille, a également commandé des armes pour son fils au même dieu Vulcain, afin de le protéger pendant la guerre de Troie. Restauré et rentoilé, le tableau présente une perte de couleur en haut à droite. Il est présenté dans un cadre du début du XXème siècle, contemporain de la restauration.

Huile sur toile. La grande scène, située dans un paysage vallonné, avec un village et des ruines en arrière-plan à gauche, est entièrement occupée par le groupe compact de nombreux personnages vivants : assis au centre, la famille du berger, observant son compagnon tenant le petit enfant dans ses bras en langes ; tout autour, les animaux, du fidèle chien de berger aux animaux du troupeau, moutons, chèvres et vaches, également au repos. On distingue le grand naturalisme des figures animales, qui fait référence comme modalité picturale aux œuvres de l'école de Philipp Peter Roos, dit Rosa da Tivoli (1657-1706), le peintre allemand considéré comme l'un des meilleurs peintres animaliers actifs dans L'Italie du XVIIe siècle, caractérisée par sa capacité particulière à évoquer la toison et l'apparence des animaux. L'œuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre doré d'époque.

Huile sur toile. La scène représente l'épisode raconté dans le livre biblique de la Genèse, de l'expulsion d'Adam et Ève du jardin d'Eden, après avoir commis le péché de manger le fruit défendu, fruit de l'arbre de la connaissance du Bien et du Mal. Conscients de leur nudité, l'homme et la femme sont chassés par un archange, l'épée de la justice à la main et entourés d'une nuée de feu, ils s'en vont honteusement et pudiquement dans le monde, représenté dans un paysage nordique. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre du début du XXe siècle, avec des décorations et des frises en bois sculpté et appliqué.

Peinture à l'huile sur toile. La grande scène représente Marie, déjà Assomption au ciel et soutenue sur les nuages ​​par de petits anges, recevant la couronne de la Sainte Trinité. Ce couronnement exprime l'apothéose de Marie, qui en devenant « Reine du Ciel » devient l'intermédiaire entre la terre, l'Humanité, et le Ciel, la Divinité : ce qui n'est pas donné à l'homme de voir devient possible à travers Marie qui dans cette glorification est plus que toujours le fil tenace qui nous lie au Tout-Puissant, la véritable « porte du ciel », telle que la définissent les Pères de l'Église. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur toile. École vénitienne de la fin du XVIIIe siècle. Le grand tableau raconte l'épisode évangélique de la rencontre entre sainte Élisabeth, enceinte de Jean-Baptiste, et Marie, qui attend Jésus, mais inséré dans une scène chorale plus vaste. Il se déroule sur un large escalier, probablement celui du temple où Zacharie, l'époux d'Élisabeth, était prêtre, et est animé par une foule de personnages, dont plusieurs femmes accompagnées d'enfants et de familles. Au premier plan, à gauche, se trouve un personnage avec un jeune garçon attaché à ses jambes : regardant vers le spectateur, il indique d'un large geste du bras l'événement central, la rencontre entre les deux saintes femmes. Les couleurs, qui, selon la tradition de la peinture vénitienne, sont les éléments de base des scènes, soulignant les figures et se dégradant en différents plans tridimensionnels, sont remarquables. Retintée et restaurée, la toile présente une légère cassure sur la gauche. Elle est présentée dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. L'identification de la sainte est donnée par la présence de la grande roue en bois, symbole de l'instrument de son martyre. Habituellement, la sainte est représentée avec une couronne sur la tête et vêtue de vêtements royaux pour souligner ses origines princières. Nous avons ici plutôt une représentation atypique d'elle, les cheveux détachés, recouverts uniquement d'un grand manteau rouge (couleur du sang, donc de l'humanité mortelle) qui tombe de ses épaules et l';oblige à couvrir ses seins avec ses mains ; son regard est tourné vers le haut, où le ciel s'ouvre et un ange descend, tenant d'une main la palme du martyre et de l'autre posant une couronne de fleurs sur sa tête, symbole de son mariage mystique avec le Christ. Il s'agit donc d'une représentation qui la voit au moment du passage à la vie éternelle, semblable à une Madeleine pénitente en adoration mystique, qui s'offre au Christ sans aucune reconnaissance humaine. Les choix chromatiques ressortent dans le tableau, qui sur un fond sombre et lugubre font ressortir le rouge du ciel ouvert et du manteau, et la blancheur de la chair, tant de la femme que de l'ange. La toile, déjà restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre travaillé de la fin du XIXème siècle, présentant quelques défauts.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole de l'Italie du Nord du XVIIIe siècle. Selon le goût du XVIIIe siècle, le paysage proposé est dominé par les vestiges d'un temple antique, vestiges de gloires passées. Tout autour, c'est une campagne avec un ruisseau, mais qui s'efface au loin vers les sommets bleus d'une chaîne de montagnes. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole de l'Italie du Nord des XVIIe-XVIIIe siècles. La scène montre l'affrontement entre chevaliers hors des murs d'une ville assiégée, avec la fumée des armes à feu envahissant le ciel. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien adapté. La scène montre l'affrontement entre chevaliers hors des murs d'une ville assiégée, avec la fumée des armes à feu envahissant le ciel. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien adapté.

Peinture à l'huile sur toile. Une délicate composition de fleurs est placée dans une sorte de berceau en bois, avec des champignons et des fruits au sol ; le fond est extérieur, mais mal défini par diverses taches. L'œuvre, sur la première toile, est également présentée dans un beau cadre du début du XVIIIe siècle, en bois de tilleul sculpté d'une couronne feuillagée maintenue par des rubans, et doré à la gouache.

Huile sur toile. Le tableau représente un portrait en pied d'un jeune homme déshabillé qui allume sa pipe en tirant du feu avec un bâton de la bougie placée devant lui sur la table où repose également une épée : il s'agit peut-être d'un jeune chevalier dans un moment de repos. C'est précisément la bougie, seule source de lumière de la scène, qui suggère que l'artiste s'est inspiré de la production de Georges De La Tour (1593-1652), peintre français de style caravagesque qui s'est fait connaître par ses scènes "nocturnes", caractérisées par des personnages, généralement de rang inférieur plutôt que des modèles historiques ou des personnalités de haut rang, éclairés par la lumière d'une bougie, ce qui crée une atmosphère particulière d'intimité. Le tableau, restauré et ré-encadré, est présenté dans un cadre élégant.

Nature Morte avec Poissons

Huile sur toile. La scène, plutôt sombre, se déroule dans un intérieur de cuisine rustique, avec des casseroles en cuivre posées sur une table, ainsi que deux poissons et quelques légumes. Le tableau rappelle par son style et son sujet Felice Boselli, peintre émilien connu surtout pour ses natures mortes, dont il a produit une centaine d'œuvres représentant principalement du gibier, des poissons et des animaux de la basse-cour. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre ancien réaménagé.

Nature Morte avec Chasse

Huile sur toile. La scène, plutôt sombre et se déroulant en plein air, comme en témoignent les silhouettes des arbres à l'arrière-plan, montre plusieurs oiseaux de chasse posés sur le sol ou suspendus par les pattes aux branches. Le tableau rappelle par son style et son sujet Felice Boselli, peintre émilien connu surtout pour ses natures mortes, dont il a produit une centaine d'œuvres représentant principalement du gibier, des poissons et des animaux de basse-cour. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre ancien réaménagé.