Tableau Ancien G. Muzzioli '800 Portrait Bacchus Ivre Huile sur Toile - Bacchus Ivre

Les Neuf Muses

Tapisserie. Le mot Euterp apparaît en bas à droite. L'énorme jus d'herbe représente les neuf Muses, divinités grecques féminines, toutes sœurs, filles de Zeus et de Mnémosyne, et ayant le dieu Apollon pour guide. Ils représentaient l'idéal suprême de l'Art, compris comme la vérité du « Tout » ou la « magnificence éternelle du divin ». Initialement considérées de manière générique comme des divinités du chant et des danses joyeuses, chargées de mettre en musique et en vers des histoires telles que l'origine du monde, la naissance des dieux et des hommes, les exploits de Zeus, et souvent représentées accompagnées de divers instruments de musique. , à partir de l'époque hellénistique, toutes les expressions chantées et musicales y étaient associées, y compris les expressions tristes et funéraires, ainsi que d'autres arts comme le théâtre, et chacun d'eux était associé à un genre d'art spécifique, afin qu'ils puissent être invoqués individuellement. pour exercer leur inspiration et leur protection. Le mot « Euterp » fait référence au nom de l'un d'eux, Euterpe, muse de la poésie lyrique et de la musique, traditionnellement représentée avec une flûte ; mais le nom Euterpe signifie étymologiquement « Celle qui applaudit » qui apporte la joie, et on peut donc penser que le choix de ce nom pour titrer la tapisserie fait référence à la fonction la plus ancienne des Muses, celles d'apporter la joie à travers l'art. Dans cette présentation, les muses apparaissent dansantes, vêtues de voiles et de branchages fleuris ; dans leurs mains ou placés à côté d'eux apparaissent des instruments ou autres objets symbolisant l'art qu'ils inspirent (masques de théâtre tant tragiques que comiques, palette picturale, instruments de musique divers...). Le grand tableau présente des signes d'usure et des taches d'humidité.

Huile sur toile. La grande scène au sujet vériste se déroule dans un bois touffu où, près d'une source, une petite famille s'est arrêtée pour se reposer : après avoir laissé la charrette avec leurs affaires (sans cheval, donc tirée à la main !), un homme, une femme et un grand groupe d'enfants se reposent, mangent, se rafraîchissent à la source ou jouent. Un rayon de soleil filtre à travers les arbres, en haut à gauche, et éclaire le groupe de personnages au centre, en bas, les protagonistes de la scène. Le tableau est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXe - début du XXe siècle.

Huile sur toile. Milieu du XIXe siècle. La grande scène raconte un épisode historique non identifié, se déroulant à l'époque de la Renaissance, dans lequel un archevêque écoute la supplique d'un jeune homme en armes, accompagné de sa mère, qui soutient sa supplique. Le décor est à l'intérieur de la salle de réception du haut prélat, vraisemblablement dans le palais épiscopal, qui de la loggia en arrière-plan donne sur la cathédrale, dont on aperçoit le dôme ; l'évêque est entouré de ses subordonnés et de ses gardes, tandis que différentes personnes du peuple assistent. Particulière est la présence de l'homme assis au premier plan à gauche, qui regarde vers le spectateur et pointe la scène, comme s'il la racontait. L'atmosphère se joue sur les contrastes entre lumières et ombres, entre les couleurs vives des personnages dominants par rapport aux tons ternes et feutrés des personnages environnants, qui ont littéralement tendance à disparaître dans l'ombre aux limites de la scène. L'œuvre s'inscrit dans cette grande production du XIXe siècle qui s'appuyait sur le sujet historique ou littéraire, le reproposant dans une tonalité romantique. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un important cadre de la seconde moitié du XIXe siècle, avec quelques manques.

Paysage avec Figures et Four à Pain

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. La vue de paysage montre au premier plan un chemin de montagne qui mène à un four à pain, où une femme prépare des fagots de bois pour le feu, tandis qu'un voyageur s'approche à dos d'âne ; dans la vallée le viaduc sur la rivière qui mène au village, surmonté d'autres pics arides. Micheroux, appartenant à l'école Posillipo, ou à l'école d'artistes napolitains du XIXe siècle dédiée à la peinture de paysage, a créé plusieurs aperçus de l'arrière-pays de la Campanie, mais il reste peu de sa production et on sait peu de choses sur sa vie. La peinture a quelques petites gouttes de couleur. Elle est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École vénitienne de la fin du XVIIIe siècle. Le grand tableau raconte l'épisode évangélique de la rencontre entre sainte Élisabeth, enceinte de Jean-Baptiste, et Marie, qui attend Jésus, mais inséré dans une scène chorale plus vaste. Il se déroule sur un large escalier, probablement celui du temple où Zacharie, l'époux d'Élisabeth, était prêtre, et est animé par une foule de personnages, dont plusieurs femmes accompagnées d'enfants et de familles. Au premier plan, à gauche, se trouve un personnage avec un jeune garçon attaché à ses jambes : regardant vers le spectateur, il indique d'un large geste du bras l'événement central, la rencontre entre les deux saintes femmes. Les couleurs, qui, selon la tradition de la peinture vénitienne, sont les éléments de base des scènes, soulignant les figures et se dégradant en différents plans tridimensionnels, sont remarquables. Retintée et restaurée, la toile présente une légère cassure sur la gauche. Elle est présentée dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. École centrale italienne du XVIIe siècle. Dans son style pictural, le tableau rappelle la production d'Angelo Caroselli (1585-1652), artiste baroque romain qui fut peintre, copiste, restaurateur, mais aussi pasticheur et connaisseur d'art, c'est-à-dire créateur de peintures « à la manière de " - dans la "technique"et dans le "style" d'une époque artistique spécifique ou d'un auteur spécifique, voire en assemblant des "parties" tirées de différents tableaux. Initialement caravagesque, Il Caroselli a ensuite développé son propre langage artistique personnel, copié par de nombreux artistes mineurs. Dans cette œuvre se distingue l'expressivité figée et presque exaspérée du personnage, dont l'élégance de la tenue vestimentaire du XVIIe siècle et les traits presque féminins du visage au teint rose contrastent avec la grossièreté de la tête de Goliath, ensanglantée, avec le grand coup de couteau. qui tranche sur la pâleur mortelle. Le tableau a été restauré et regarni, en conservant le cadre en bois d'origine. Il est présenté dans un cadre en bois contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIe-XVIIIe siècle. Une grande composition de fleurs colorées, dans des vases en métal repoussé, et quelques fruits éparpillés au sol, sont placés près d'un mur surplombant un paysage maritime : l'éclat du ciel et de la mer à droite contraste avec la zone ombrée à gauche, sur lequel ressortent les couleurs des fleurs. Le tableau, rentoilé et restauré, présente une fissure importante. Il est présenté dans un cadre contemporain laqué et doré.

Peinture à l'huile sur toile. École de l'Italie du Nord du XVIIe siècle. Le grand tableau présente comme sujet un thème bien connu de l'Ancien Testament, la richesse du roi Salomon, raconté dans le Premier Livre des Rois : « Le roi Salomon surpassa donc, en richesse et en sagesse, tous les rois de la terre. partie de la terre pour s'approcher de Salomon pour écouter la sagesse que Dieu avait placée dans son cœur. Chacun lui apportait, chaque année, des offrandes d'objets en argent et en or, des vêtements, des armes, des épices, des chevaux et des mulets". Dans le tableau, le roi, richement vêtu des symboles de la royauté (la couronne, le sceptre, le manteau d'hermine), écoute debout les postulants qui viennent à lui pour recevoir les conseils dictés par sa proverbiale sagesse, et en échange ils lui apportent des offrandes, à la mesure de leur rôle social : certains agriculteurs apportent en cadeau des sacs de céréales, fruits de leur travail dans les champs, un autre lève haut une coupe, pour attirer l'attention du roi. Les couleurs et le style pictural du tableau font référence à la production de l'Italie du Nord, notamment vénitienne. Le tableau a été restauré et rentoilé.

Huile sur toile. Le tableau représente un portrait en pied d'un jeune homme déshabillé qui allume sa pipe en tirant du feu avec un bâton de la bougie placée devant lui sur la table où repose également une épée : il s'agit peut-être d'un jeune chevalier dans un moment de repos. C'est précisément la bougie, seule source de lumière de la scène, qui suggère que l'artiste s'est inspiré de la production de Georges De La Tour (1593-1652), peintre français de style caravagesque qui s'est fait connaître par ses scènes "nocturnes", caractérisées par des personnages, généralement de rang inférieur plutôt que des modèles historiques ou des personnalités de haut rang, éclairés par la lumière d'une bougie, ce qui crée une atmosphère particulière d'intimité. Le tableau, restauré et ré-encadré, est présenté dans un cadre élégant.

Huile sur toile. Intense et de qualité, le tableau représente un monarque de la maison royale d'Écosse. Autour du portrait, dans un cadre ovale peint, il y a quelques écritures : le nom Rober (t) apparaît en haut à gauche, le titre Rex en bas à gauche et l'abréviation Scot à droite, qui signifie Scotorum ; l'écriture en haut à droite n'est pas identifiable, mais il semble qu'il s'agisse d'un acronyme. L'homme représenté porte un chapeau et une veste ornés de fourrure d'hermine, considérée comme la fourrure la plus noble réservée à la royauté. Il porte un pendentif en or autour du cou, qui représente deux feuilles avec le fruit du chardon, qui en héraldique symbolise l'Écosse. L'écriture et le pendentif font donc référence à un Robert d'Ecosse, probablement de la dynastie qui régna au XIVe siècle. Le portrait a également été exécuté dans la période romantique du XIXe siècle, en utilisant probablement des gravures anciennes pour s'inspirer. Restaurée et regarnisée, elle est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord. La représentation de la Nativité est vue ici comme un moment contemplatif du Saint Enfant, par Marie et Joseph, accompagnés de petits anges. Les voies picturales reprennent celles de modèles largement reproduits, partant de Correggio, de Barocci, pour arriver aux nombreuses versions de Gherardo delle notte, ou du peintre flamand Gerard Von Honthorst, représentatif du ténébrisme, courant pictural qui jouait sur de forts contrastes d\'obscurité. et la lumière, la lumière et l\' obscurité. Dans cette œuvre aussi, la lumière rayonnée par l\'Enfant Jésus illumine les personnages qui l\'entourent et les fait émerger des ténèbres environnantes. L\'œuvre restaurée et regarnisée est présentée dans un cadre du XIXe siècle.

Copie de Guido Reni

Peinture à l'huile sur toile. L'œuvre est l'une des nombreuses répliques, avec quelques variantes, du célèbre sujet créé par le célèbre peintre bolognais Guido Reni (1574 -1642) et son atelier. La composition, qui voit la Vierge en prière penchée pour adorer l'Enfant endormi, est considérée comme une invention de la brillante veine de Reni, qui, suite au grand succès auprès des collectionneurs de l'époque, fut ensuite reprise par d'autres auteurs du XVIIe siècle. , parmi lesquels se distingue le nom de Giovan Battista Salvi dit "Il Sassoferrato". Les deux variantes les plus célèbres de cette scène fascinante voient la Vierge avec les mains jointes en prière, adoptée par Salvi, ou celle avec les mains sur la poitrine, comme celle-ci, typiquement de Reni. D'autres variantes concernent la position de la tête de l'Enfant Jésus endormi, tournée vers le haut comme dans cette version, plutôt qu'inclinée sur le côté ; enfin les tissus de fond changent. Cependant, l'intensité de la scène ressort également dans cette réplique : elle est occupée transversalement par le corps abandonné au repos de l'enfant, où la nature divine est soumise à l'humaine dans le sommeil ; au-dessus, incliné dans un geste protecteur et en même temps contemplatif, le corps de Marie, qui exprime toute la tendresse maternelle mais aussi, dans le geste des mains, l'adoration du mystère incarné représenté par le petit fils. Les couleurs vives des tissus - l'oreiller sur lequel Jésus est couché, le rideau derrière, les vêtements de la Mère - font ressortir l'éclat des tons chair. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre fin XIXème.